《泉》（1917）
23.5×18cm，陶瓷
杜尚有意让作品与安格尔（Jean Auguste Dominique Ingres）的唯美油画《泉》同名，彻底打碎传统意义上的“美”，作品上的署名“R.MUTT”（德语中意为“贫穷”）隐喻当时艺术界在想象力上的极度匮乏。对此，杜尚解释道，“这一座便池的外缘曲线和三角构图，与达·芬奇的《蒙娜丽莎》别无二致；而它那温润、光洁的肌理效果和明暗转换，与古希腊雕刻大师希特列斯的大理石雕像完全一样。如果把小便池只当成小便池，那它永远只是一件生活用品，但如果从另一个维度去审视它”，它可能成为一件艺术品。”杜尚开创性地打破“艺术”与“非艺术”的界限，《泉》也藉此在2004年打败毕加索的《亚威农少女》，被500名英国艺术界最权威的专家评为“20世纪最富有影响力的艺术作品”榜首。
《泉》作为西方美术史上第一件具有代表性的、完全依托现成品的艺术创作，开创了所谓“装置艺术”的先河。日常生活中所见的任一现成品都可作为创作的材料，没有美，没有丑，也不涉及任何美学性。人们从“只有通过画笔与手工的移情投射才能被称之为艺术”的传统窠臼，转而朝向对客观视觉背后精神的关注。艺术的底线被打破，最核心的不是艺术，而是生活本身。
在作品《泉》之前，杜尚早已开始了他的现成品实验探索。1914年，杜尚从店里买来一幅风景画，在上面加上一红一绿两点后，署名《药房》（Pharmacie）。因为在法国，药店的橱窗里通常摆放着一红一绿两瓶药水，现成品代表着杜尚对权威的反抗。
《药房》（1917）
第二年，杜尚甚至将从店里买来的雪铲直接送到了展览上，并取名《折断胳膊之前》。有人问：“这有什么意义？”杜尚回答，“没有意义。”美国人说：“不行，它一定要有意义。”于是，杜尚便写下了一行字——“折断胳膊之前”（In Advance of the Broken Arm），并解释道“因为铲雪的时候会折断胳膊。”他不但将现成品归入艺术范畴，艺术本身也变成现成品。“您看您使用一管颜料，它不是您制作的，而是您买的现成物。即使您把两管朱红色混到一起，仍然是两种现成物的混合。因此，人不能指望从零开始，他必须以现成物为起点。”
《折断胳膊之前》（1915）
复制品
诸如此类的现成品实验还有很多，杜尚的趣味点在于对“物性”的再认识与再转化。当人们习惯于对物、对图像的定势思维时，杜尚巧妙地将物体拆解，同时也拆解了语言，在观众的观后反应上掀起汹涌波涛。现成品革命的张力不在于物品本身，而在于观众观展后的反弹力度。
一战时杜尚从巴黎移居纽约，并于1955年正式成为美国公民。战争带来的悲观情绪使得无数人走向虚无主义和无政府主义，1958年，代表“虚无、乌有”的“新达达主义”（Dada，或称波普艺术）在纽约兴起，至20世纪六十年代中期代替了抽象表现主义，成为被大众广泛认可的前卫艺术。尽管杜尚本人明确回信拒绝达达组织的拉拢，但他在艺术上反权威、反教条的风格与达达主义“破坏就是创造”的精神不谋而和，一时被塑造成为达达主义的精神领袖。
马赛尔·杜尚的墓志铭：“不管怎么样，死去的总是别人”
这就是杜尚，他的出现改变了西方近代艺术的进程，特别在20世纪50年代，艺术界几乎人人都在谈论他。可以说，二战后的西方艺术基本上就是沿着杜尚的思想轨迹在进行。1968年杜尚逝世，此后西方艺术界开始以各种方式回敬这位现代艺术的开创者，越来越多的艺术创作将视野大胆转向绘画和雕塑以外的领域，非绘画作品的成就也愈来愈高。
正如杜尚传记的作者马奎斯（Alice Goldfarb Marquis）所言：“杜尚的艺术最叫人迷惑的吸引力是：他作品的重要性不是来自它们的美，却来自否定美；不是来自意义清晰，却来自模棱两可；不是来自丰饶多产，却来自吝啬少量；不是来自它所充分表达的，而是来自它所不可表达的；不是来自它的明白呈现，而是来自它的费解难测。”
编辑：宫子
校对：薛京宁
