作者：李君娜 沃佳
“未来的音乐演艺形态，究竟会是什么样子？我好像有点看到了，又好像有点‘盲人摸象’。”前不久，观众李悦宜在上海音乐厅看完“漫歌行——跨时空AI音乐叙事”时，告诉同行的伙伴。
“漫歌行——跨时空AI音乐叙事”是上海音乐厅首届“数字缪斯——2024音乐科技融创节”的一个演出剧目。这场历时2个月的融创节，顾名思义，是科技界与音乐界的跨领域融合，呈现了原创作品、工作坊、展览等，探索了未来音乐演艺的新形态。
针对这次融创节引进的作品，有观众评论，“这是人们期待的21世纪音乐演出应该有的样子。就算是古典音乐，或者传统音乐，都有了全新的张力，是鲜活的，不再属于过去，而是代表当下。”
在获得叫好声的同时，这些不同传统音乐演出形态的剧目也引发新的思考：让科技手段融入音乐演出，是否意味着对传统音乐的冲击？音乐如何在数字化生产中被“量化”？当下，我们又需要怎样的音乐？
音乐能否被“量化”？
音乐是人对声音信号的精准控制。传统的音乐创作中，作曲家负责控制声音；而数字音乐的诞生，意味着人工智能夺走了主动权，以精密复杂的计算代替了直觉性的人工作曲。
音乐究竟是作曲家的感性产物，还是物理和数学的最佳计量结果？作曲家、上海市音乐声学艺术重点实验室主任于阳认为，“人类对于声学原理的探索，从古至今没有停止过。自从人们发现一些材料可以用于发声和制造乐器，便开始研究如何统一乐器制造的标准。”尤其在中国古代，音乐往往需要多人配合，在神圣的仪式上一同演奏。因此，多种乐器之间必须保证音律统一，以便达到听觉上的和谐。“这涉及一套精密的计算方法。”
“计算音乐”并非AI技术下的全新产物。于阳说，“几百年前，莫扎特已经在用计算的方式写音乐了。”莫扎特一生都保持着对音乐、计算和代数的激情。18世纪的数学主张“绝对和谐”。莫扎特通过精密的计算，严格控制起音、句尾音以及乐句之间的呼应，用和声语言营造了音乐上的和谐，契合于当时古典主义的音乐审美。
随着计算机技术兴起，“计算音乐”的尝试进一步更新。于阳说，“1957年，伊利诺伊大学的两位教授用学校的超级计算机Illiac编写了《伊利亚克组曲》。它的算法中包含非常复杂的模型。”《伊利亚克组曲》是人类历史上第一首完全由计算机“作曲”的小提琴四重奏，可谓数字音乐和AI音乐的鼻祖。
无论古今中外，作曲家都曾试图通过数学计算，制造出各自时代下更入耳，或更符合自身观念的音乐作品。
AI能否代替人类作曲家？
AI出现，是否意味着艺术家会因此丢掉饭碗？
镜头拉回到今年3月的一个下午，上海音乐厅音乐立方座无虚席，现场观众一起见证一场特别的才艺比拼。当天，“音乐黑科技：AI大战人类作曲家，谁才是真正的音乐之神？”音乐人工智能创意互动工作坊举行。青年作曲家、钢琴演奏家朱序芝和音频算法工程师高月洁，时不时进行“高手”对决，交错的钢琴旋律不时响起。
不同的是，朱序芝的面前是一架钢琴，他即兴作曲，旋律在钢琴上即时倾泻而出。看上去更气定神闲的高月洁的面前，是一台电脑。她操作系统AI作曲，和演奏家朱序芝进行了一场“AI vs人类作曲家”的作曲PK大战。
现场观众即兴提供的图片、文字、音符等内容被“投喂”给AI进行现场作曲创作。AI作曲快速生成相关旋律，这给现场观众带来不小震撼。
上海音乐学院音乐工程系副教授陈世哲回忆，“最早在2016年看到李世石被AlphaGo打败的时候，我们已经在提高危机感了。这两年来，我们系的大一学生会上一门课，这门课上完，所有学生都很恨我。因为他们经过艰苦的艺考，考到上音，第一堂课我就告诉他们，他们可以换专业了。”
陈世哲并非吓唬学生，而是真正感受到了音乐行业近年来遭受的冲击。早在2000年左右，陈世哲便开始尝试AI作曲。那时的AI需要先由人工教学，再在此基础上创作音乐。严格来说，放出来的作品还需要经过人的二次加工。“当时AI只能生成到乐谱层面，音乐厅演奏层面的东西是生成不了的，包括音箱混音、声音处理。所以那时候危机感没那么强，那时候AI挺水的。”
仅仅20年后，AI音乐制作软件SUNO就能生成细节丰富的音频。陈世哲观察到，不少音乐制作公司开始缩招，然而，高校的反应速度却落后于产业和企业。如今，AI音乐甚至可能影响从业者审视音乐的标准。陈世哲说：“今年开教研会提出一个议题，今年有学生如果交上来AI的作品怎么打分？最终的结果是，请大家自己声明自己用了什么AI工具，靠自觉。”
陈世哲认为，在音乐行业发生的剧变，也同样适用于表演专业。“舞台为什么存在？因为人类有梦想，实现不了就会做梦，会有舞台。”可是，如果虚拟现实技术发展成熟，如果我们的舞台全部变成眼镜里的虚拟世界，我们为何还要选择舞台？陈世哲说，“我们下一代受众很可能不愿意在剧场里看到一个表演者在那里表演。比如我看《罗密欧与朱丽叶》，为什么我自己不能扮演罗密欧？”为了应对“虚拟现实”的未来，陈世哲组织学生把传统艺术形式搬入VR眼镜。“这是我们应对现在行业变化所做的小小努力。”
“打”不过AI怎么办？
上海民族乐团唢呐演奏家、创作策划部主任胡晨韵也遇到同样的挑战，他以另一种方式回应了AI音乐的兴起。在结束不久的上海之春国际音乐节上，来自民族乐团的音乐家们携手演奏了一系列由AI创作的曲目。通过这样一场融合了传统和科技、民族与世界的盛会，胡晨韵呈现了以“量化”方式创作音乐的可能性。
胡晨韵回忆，“之前有朋友问我，你觉得AI淘汰音乐家需要多长时间？当时，我信心满满地跟他说，音乐家不太容易被AI淘汰，为什么？因为音乐最有魅力之处不是‘被量化’，而是‘不能被量化’。”
在当时的胡晨韵看来，无论是西方音乐还是中国音乐，都有一个类似于“气口”的停顿。在真实的演奏中，观众会停下自己的呼吸，跟着演奏家一起等待下一个音符出现，这是整齐划一的AI音乐无法做到的。然而，胡晨韵很快注意到，一些音乐生成软件陆续登场。
胡晨韵说，“很多人在恐惧谁是下一个被淘汰的职业？我们不妨换一个角度去想。有朋自远方来，我们什么都不说，先来一个面向‘未来’的拥抱。”产生这样的想法后，胡晨韵开始探索，中国的乐器音色可以与AI产生怎样的化学反应？
在等待结果的过程中，不少演奏家向胡晨韵表达了担忧。“他们问，计算机了解中国音乐吗？搞出来不会稀奇古怪吧。事实证明，AI音乐的可听性还蛮强的。”胡晨韵接下来想要尝试，电子、摇滚等富有时代精神的曲风，是否可能融合到唢呐这件乐器里。
也许，《伊利亚克组曲》以来一系列“数字音乐”背后，并非“AI大战人工作曲家”的尖锐矛盾，而是“AI融入人工作曲”的有力尝试。既然AI随手可得，对所有人敞开，那么，与其畏惧工具，不如用好工具。陈世哲说，“AI来了，打不过怎么办？打不过就加入。我们可以利用技术，让所有人都感受到音乐的美好。”
21世纪需要怎样的音乐？
AI音乐进入人们的视野，对音乐的“计算”让声音更“可控”，对“量化”音乐的分析也进入了更精细化的阶段。在被数字包裹的音乐中，是否还有人类情感的一席之地？
“漫歌行——跨时空AI音乐叙事”上，评弹名家高博文和AI“机械臂”歌手艾莉合作，带来一场奇妙碰撞的音乐之旅。其中，“机械臂”歌手艾莉现场“演绎”《苏醒》《回头皆幻景》《繁华如烟》《重逢如是》《涅槃》《重逢》等多首曲目。尽管这里的机械臂已经被“拟人化”，但依然不改机器演唱的本质。
同济大学设计创意学院机械臂实验室主任郑康奕提出忧虑，AI音乐会让人类世界陷入扁平化，会抹除音乐的细节。尽管AI音乐大大提升了音乐制作的效率，但“效率”未必是人类终极的追求。
郑康奕认为，“人类依旧有情感。我曾经在一个美术馆做过一个作品，两个机械臂在培养皿里打点滴，整个过程耗费8个小时。很多人有不同解读，有一个工程师说，它非常好地诠释了上班摸鱼的状态，点滴明明可以很快打完，为什么打8个小时？”由此，郑康奕发现，每个人都生活在自我认知的世界中，对事物有着各异的情绪反应。哪怕是数字音乐，在弹奏过程也会带给人不同的感受。
面对新技术对古典音乐的挑战，音乐科技融创节的评审加布里埃尔·普罗科菲耶夫表示，“不管AI发展到什么程度，最感人的还是来自自然的声音。不管技术如何发展，有些声音依旧来自情感，它不能被复制，也不能被机械替代。”
在21世纪，我们需要什么样的音乐？AI又如何拓展音乐的形式？旅法青年艺术家陈俊恺想到，“未来的交响乐，是不是可以有其他设备或技术加入其中？也许音乐不再受限于每一个乐器的音域，也许舞台的灯光更多样，也许舞台的空间不只是在陆地。我的老师跟我说，他的一位朋友曾把低频音箱放在游泳池里，让游泳者听见水中的振动频率。”在陈俊恺心目中，飞到火星上聆听音乐会的未来图景值得期待。
AI可能会让音乐启蒙更容易普及。不少家长都曾为孩子购置过乐器，但音乐教育往往难以为继。如果孩子没能坚持弹钢琴，直至走向音乐学府，钢琴是否沦为孩子幼年时期的玩具？
上海锣钹科技创始人兼CEO解路禄想要创造一些产品，让没有任何音乐经验的人，也能从指尖流淌出音乐来。“我们把唢呐通过数字化的形式传承下来。至少我孩子听到这个，就知道这不是双簧管，从而对民族乐器的声音有了认知。”解路禄希望把横在每个乐器学习者面前一米多高的台阶，变成一个小斜坡。“你学会演奏了以后，想要演奏得好，还是需要练习的，只是前期没有那么痛苦。”这些看似“反传统”的音乐启蒙，实则更有效地提升了使用者的音乐素养。
“效率形式都在变，但需求本身没有变。”纵观不到100年的计算机发展史，解路禄发现，其实中国古代的算盘和后来的图灵计算机诉求一致。音乐也是如此，人类最早在狩猎时喊口号、敲击木棒，后来将乐谱刻在竹简上，再后来刻在黑胶、磁带上，存在iPod里。“对音乐的需求没有变。我们只要跟随趋势，拥抱新技术，依然可以传承旧的东西。”（李君娜 沃佳）
来源： 解放日报
