如今，我们已经习惯性地认为第一小提琴是管弦乐队的首席，也自然认为（音域高而突出的）旋律性乐器主导音域走向。但在巴洛克时代，乐队首席却是低音部演奏家，别忘了它的典型乐器——管风琴。管风琴用脚（踩键盘）来铸造低音基石，上方的双手创造音乐旋律。这个时代在旋律和伴奏的意义上与现代人的感觉很接近，但“低音引导”的概念却离我们的认知很远。这里推荐卡萨尔斯指挥的巴赫《第一号管弦乐组曲》（索尼唱片）。低音提琴引出起伏有力的音乐，让听众仿佛有超脱“个体”、被某种巨大背景包裹的感觉——这在如今以旋律为主体的音乐中绝对无法感受到。
曾经，若斯坎的无伴奏合唱曲的平衡之美，几乎代表了整个文艺复兴音乐的特点。它在声乐上避免冲突，追求完美的融合与流畅感，因此连乐器都不使用。而且文艺复兴的合唱所有声部都使用同样的歌词和旋律，把那些发生对比冲撞的因素都谨慎排除在外。因此这种平衡美占据了支配位置后，就失去了“动”的原力。要表现推动力，就必须在某处打破这种平衡。平衡一旦被打破，形成对比，就有了推动力。
进入巴洛克音乐时期，协奏曲和通奏低音并列成为了这个时代的音乐样式特征。十五世纪后半叶，威尼斯乐派最早将对比产生的感染力运用到音乐上，比如给无伴奏宗教合唱曲配上器乐伴奏。“协奏曲”这个名字最早始于安德烈·加布利埃里和乔万尼·加布利埃里，他们把这种由器乐伴奏的宗教合唱曲称之为协奏曲。协奏曲在这个时期的含义是相对于无伴奏合唱音乐的均衡性而言的——器乐与合唱在竞争中调和。协奏曲的词源“Concertare”在拉丁语中有“竞争”的意思，在意大利语中则意味“使其协调”。所以协奏曲就是一种竞奏曲，从巴洛克时期开始，大量的器乐协奏曲被创作出来。
虽然巴洛克是协奏曲的时代，但并不单纯意味着在这个时代仅仅诞生了大量的协奏曲。更重要的是，在协奏曲之外，几乎所有题材的巴洛克音乐都是根据协奏的原理而创作，即用几种音源来表现音色、音量或是乐思上的不同，从而产生对比和竞奏。例如声乐作品中人声和器乐的对比；重唱声部中和声声部的对比；三重奏奏鸣曲这种带有伴奏的器乐作品中，独奏乐器和伴奏乐器的对比；协奏曲中独奏和乐队的对比。尤其是在巴洛克时代流行的大协奏曲中，独奏部多用弱奏而乐队多用强奏。所以不仅是音色，音量在对比中也起重要作用。
羽管键琴
大协奏曲是包含多名独奏者的协奏曲。科莱里留下了许多这种题材的作品；巴赫《勃兰登堡协奏曲》的第二首、第四首和第五首都是该类型的典范：其中第二首的独奏部分是小号、长笛、双簧管和小提琴；第四首是两支长笛和小提琴；第五首是长笛、小提琴和羽管键琴。在音量对比方面，不要忘记有巴赫的《意大利协奏曲》和《哥德堡变奏曲》，它们是专门为双键盘的羽管键琴而作的（双键盘的一组为强音，另一种为弱音。）
我们现代人听惯了晚期浪漫主义过于戏剧化的音乐，即便在理论上知道巴洛克是一个协奏曲和对比的时代，大概也没有感官上的认识。因为那并不是什么强烈的对比，在很多人听来只是让人心身愉悦的潺潺流动。但巴洛克毕竟是最早将对比作为音乐结构重要理论的时代。乔万尼·加布利埃里在《圣乐交响曲》（1597）中的《弱声与强声奏鸣曲》上，最早在乐谱中标明了强弱记号，这是音乐史上的一个重大突破。它为一直以来的均衡乐音带入了对比性的戏剧元素，后来在晚期浪漫主义中达到巅峰的戏剧化音乐也是由此为源的。
